除了奧拉維爾·埃利亞鬆,還有哪些北歐當代藝術家你應該知道

文藝星球2019-07-12 05:04:41

來源:Artsy官方

ID:ArtsyOfficial

Shoplifter,《未曾逃脱 VII》(Neverescape VII),2017。攝影:Frosti Gnarr。圖片致謝藝術家


説起“北歐藝術”,來自挪威的愛德華·蒙克(Edvard Munch)或許會是人們的第一聯想。他的風景畫美麗孤寂、肖像畫奇異弔詭(其中最著名的便是1893年的《尖叫》),幾乎成為北歐藝術的同義詞。蒙克的遺產和影響依舊強勁,不少當代北歐藝術家繼承了他的衣缽,探索着這片地區的景貌,以及土地在心理層面上的意義。


當然,北歐藝術不止於此,還有大量的挖掘空間。社會要素或許對北歐藝術的形成和發展影響深遠。長久以來,北歐地區(包括丹麥、芬蘭、冰島、挪威、瑞典五國以及奧蘭羣島、法羅羣島與格林蘭島)的居民享有高度性別平等,政府對創意行業的支持相當慷慨,北歐地區對女性解放和藝術教育也有着長期的支持。然而,這片樂土也面臨着自己的挑戰:歷史上,這個地區的人種非常統一,但近年的難民潮引發了劇變,北歐對此未能時刻保持冷靜,種族主義正在抬頭。儘管如此,在完善社會福利和應對氣候變化方面,北歐國家始終是典範式的存在。


下文介紹的十位北歐藝術家雖沒有在創作中正面迴應政治問題,他們的作品還是隱約透露出了社會要素之於藝術工作的影響——不難看出,他們身處的文化環境尊重並支持他們的創作。他們的作品或奇特、或幽默、或莊重,共同呈現着如今北歐地區豐富多元的關注點和方法論。



Shoplifter(b. 1969,冰島)


Shoplifter,《未曾逃脱 IV》(Neverescape IV),2015。圖片致謝藝術家


藝術家 Hrafnhildur Arnardóttir(她的藝名更為人熟知——Shoplifter)曾説,她對頭髮的着迷源於在抽屜裏看到祖母剪下來的辮子。“那是她的一部分,是她青春的幽靈。這條辮子詭譎又迷人。”藝術家説道。Shoplifter 以色彩明豔的大體量多毛裝置聞名(所用材料有的是天然毛髮,也有的是合成纖維)。2017年,冰島國家畫廊為她舉辦了個展“未曾逃脱 VII”(Taugafold VII / Neverescape VII),在展廳掛滿五顏六色的纖維毛毛條幅;展覽還收錄了藝術家的早期的照片拼貼系列,其中的紋樣都是各種相互交織的辮子。


Shoplifter 還有一個最廣為人知的幕後身份——比約克的造型師及創意總監,正是她為這位冰島同胞打造了瘋狂的盤發和百變的造型。2019年,Shoplifter 本人將走到舞台中心,她將代表冰島參加威尼斯藝術雙年展。



Tori Wrånes(b. 1978,挪威)


Tori Wrånes,《大西洋山怪 2015》(Troll Atlantic 2015),2015。Aurora


作品及行為表演統統圍繞“山怪”主題展開的當代藝術家寥寥可數,Tori Wrånes 是其中之一(當然她也並非獨自一人,冰島藝術家 Egill Sæbjörnsson 在2017年的威尼斯藝術雙年展上呈現了兩件山怪作品,成為展覽上的明星;據背景敍事,這兩個山怪生產藝術品和香水,並且是特濃咖啡的擁躉)。


在2017年奧斯陸當代美術館的個展“熱囊”(Hot Pocket)上,Wrånes 帶來了視頻、攝影和雕塑作品,在豐富的場景中刻畫這種神話生物。在一幅攝影中,一個滿身流蘇的山怪靠在汽車的引擎蓋上,背景裏是一片沙漠;現場還有穿着白色耐克鞋的雙頭山怪雕塑,從兩腿之間拾起自己的尾巴,末端還有一個麥克風。沉浸式展覽中的燈光忽明忽暗,形成一場戲劇化的冒險:行走其間,觀眾在每個展廳裏都能發現新奇之物(從手拿包裏伸出的一雙腿,或“戴”着墨西哥帽的輪椅。)Wrånes 曾在採訪中説道:“我把山怪看作通向自由身份的渠道,藉助這種形象,我可以遊走各種角色之間。我猜,人人都是山怪。”



Ragnar Kjartansson(b. 1976,冰島)


Ragnar Kjartansson,《我與母親 2015》(Me and My Mother 2015),2015。圖片致謝 i8畫廊


Ragnar Kjartansson 的作品中湧動着幽默感:但他似乎從來不把自己當回事,作品也大多平易近人。以他的多頻道錄像《拜訪者》(The Visitors, 2012)為例,無需藝術背景知識,也能欣賞這部作品。展出時,9塊屏幕安裝於同一個展廳內,同時播放着不同的內容:每部錄像聚焦一位音樂家(其中有一位是藝術家本人),他們演奏着同一支曲子,地點都是在紐約州的同一幢住宅內。不同於尋常展陳,整體場景呈流動狀,激發着私密的聆聽體驗。


相較之下,Kjartansson 的另一部作品《我和母親》(Me and My Mother,2000)稍欠旋律,但同樣引人入勝:視頻中,藝術家的母親不斷往他臉上吐口水;每隔五年,母子二人就會在鏡頭前再現這一行為。Kjartansson 探索“忍耐”的作品尤其出名:在他長達數小時的視頻和裝置中,表演者常常吟唱着同一段歌詞、重複着同一個場景。



Tal R(b. 1967,丹麥-以色列)


(左)Tal R,《圖畫課》(The Drawing Class),2014。圖片致謝菲利普美術館(右)Tal R,《巴黎時髦》(Paris Chic),2017。圖片致謝 Victoria Miro 畫廊


Tal R 的畫作彷彿偷師亨利·馬蒂斯,充滿各種圖形與歡樂的色彩,同時融入了切合時代與城市的主題。2017年,紐約 Cheim & Read 畫廊舉辦了題為“鑰匙孔”(Keyhole)的 Tal R 個展,其中的畫作描繪着各類成人俱樂部及其他少兒不宜場所的門面:一幅繪畫簡單粗暴地描繪着物業的名字“Pussy’s”,彎彎曲曲的字符盤踞着夜店的門面;還有一些作品則較為抽象——一件大尺幅繪畫的絕大部分畫面由交錯的粉色和黃色平行線組成。每幅構圖都是一個個引人入勝的窗口,是各類招牌和外立面的狂歡。


去年,Tal R 描繪了美國城市底特律,構圖全部來自想象,卻精準捕捉了城市街區的氣質。2018年夏,底特律當代美術館展示了這些作品。在層次豐富的藍色調中,藝術家繪出了條紋、符號(“X”形、“O”型、箭頭、曲線)和樓宇,讓人聯想起斯圖爾特·戴維斯(Stuart Davis)畫中爵士年代的紐約。



Jesper Just(b. 1974,丹麥)


Jesper Just,《寂靜問題》(A Question of Silence),2008。圖片致謝 Galleri Nicolai Wallner


Jesper Just 創作的視頻簡短精妙,配有懸疑的音效和模糊的敍事。在他2005年的作品《所愛之物》(Something to Love)中,一個男人駕車載着另一個男人駛過空寂的停車場,鏡頭捕捉下了乘客面無表情的臉龐;視頻裏穿插有鎖門、追趕和親熱的場景,親熱鏡頭中更有一名神祕的金髮女子;這些片段全部截取自好萊塢商業大片——但統統隱去了明晰的敍事。


在《靜寂問題》(A Question of Silence,2008)中,一個女人緊張地搓着大腿,坐在她旁邊的男人緩緩伸出手臂,摟住了女人的肩膀。通過閃爍的眼神、細微的動作和長時間的寂靜,藝術家刻畫出了二人之間捉摸不透的關係。藝術家的影像世界如夢如幻,其中的角色若即若離。



Olafur Eliasson(b. 1967,冰島-丹麥)


Olafur Eliasson,《瀑布》(Waterfall),2016。圖片來自凡爾賽宮舉辦的“Olafur Eliasson”個展,法國凡爾賽


Olafur Eliasson 的創作總是充滿趣味與奇觀:少不了鏡子、彩色玻璃和各種視覺遊戲。他2017年的作品《彩虹橋》(Rainbow Bridge)由12個不同色調的球體組成,排列組合成一個肉眼可見的光譜。隨着移動中觀看視角的變化,到達某些特定位置時,有的球體看上去填滿了亮黑色彩。Eliasson 在凡爾賽與紐約創作過“瀑布”,他相信,這類作品可以帶來共享的、包容萬象的體驗。藝術家希望借展覽引導觀眾思考有關公共空間及其中資源的問題。“瀑布生成空間,是空間機器,它們包含詩意與夢境。” Eliasson 介紹道。


1. Olafur Eliasson,《你的聯合感官》(Your Sense of Unity),2016。圖片來自凡爾賽宮舉辦的“Olafur Eliasson”個展,法國凡爾賽 2. Olafur Eliasson,《紐約市瀑布,布魯克林橋》(The New York City Waterfalls, Brooklyn Bridge),2008年6月26日至10月13日。公共藝術基金會 3. Olafur Eliasson,《彩虹集會》(Rainbow assembly),2016。圖片致謝 Leeum 三星美術館


Eliasson 的實踐不僅限於土地。他曾經往斯德哥爾摩的空中放飛過一隻搭載 LED 燈的氦氣球,懸在空中宛若一顆明星。2017年,藝術家針對動盪的國際局勢展開了探索,在那年的威尼斯藝術雙年展上組織藝術工坊,帶領難民製作燈具。Eliasson 的多方位實踐讓他的名聲超出了視覺藝術的範疇,他還涉獵建築,為冰島的哈帕雷克雅未克音樂廳和會議中心打造了一個亮晶晶的網狀外立面。2018年夏,Eliasson 把觸角伸向款客行業——在冰島開設了一家餐廳(他在自己的柏林工作室運營“食堂”已有多年)。



Johannes Heldén(b. 1978,瑞典)


Johannes Heldén,專題電影《小魔怪》(Gremlins,1984)於VHS錄像帶中呈現。圖片致謝藝術家


作者、音樂人兼視覺藝術家 Johannes Heldén 將自己的多領域才能綜合在了奇幻的多媒體作品中。2017年,在挪威莫斯舉辦的 Momentum 9 北歐當代藝術雙年展上,Heldén 呈現了一本題為《新新漢普郡》(New New Hampshire, 2017)的小説,講的是新漢普郡在遭遇不可言説的重創後重生的故事,各種各樣的物件編織出了一個個細節。作品還包括一部視頻、一件帽衫、一盤磁帶以及一片寫滿字符的樹葉,這些物件或於玻璃櫃中展示,或通過視頻及音頻呈現。在檢視材料的過程中,觀眾將重構小城及其中居民的面貌,也將一窺遺失之物。


多年來,Heldén 探索着文學與藝術創作的結合:他2016年的詩集《宇宙生態學》(Astroecology)由一系列攝影、腳註以及貫穿書頁的腳印組成。自然世界以及對自然世界的保護始終貫穿 Heldén 的創作。



Eija-Liisa Ahtila(b. 1959,芬蘭)


Eija-Liisa Ahtila,《愛的潛力—Mahdollinene Rakkaus》(Potentiality for Love - Mahdollinene Rakkaus),2018。圖片致謝 Marian Goodman 畫廊


Eija-Liisa Ahtila 的影像作品廣泛探索着通靈領域——她的描繪對象包括基督教聖像、芬蘭南部的風景、雜技演員,以及一隻常常出鏡的猩猩。Ahtila 將構建敍事的自由交予觀眾,不同的視頻(偶爾穿插有小幅攝影)分佈在展廳各處,行走其間,觀眾將構建起各自的敍事。通過鬆散的沉浸式敍事,藝術家描繪出了一幅割裂世界的肖像。


2006至2007年,MoMA 展出了 Ahtila 的三頻道錄像《風》(The Wind,2002),講述了一個年輕女人精神奔潰的故事。女人的臉部特寫表現出了崩塌的心態,而故事發生的場景——一處藍色牆壁的住宅,進一步暈染着環境氛圍。在作品《愛的潛力》(Potentiality for Love,2018)中,藝術家打造出雕塑般的場景,並融入了一個互動元素:觀眾坐在兩張帶有 LED 監控裝置的桌子旁,體驗着一個為幫助幻肢綜合症患者康復而開發的程序(幻肢綜合症發生於截肢患者,指肢體已不存在、卻依然有痛感或知覺的感官幻覺)。



Mamma Andersson(b. 1962,瑞典)


(左)Mamma Andersson,《多莉》(Dolly),2016。圖片致謝 Galleri Magnus Karlsson(右)Mamma Andersson,《黑貓》(Black Cat),2015。圖片致謝 Stephen Friedman 畫廊


Mamma Andersson 的雕版畫作品色彩柔和,描繪主題包括田野、精緻的女用手套、野兔......她的創作讓人聯想起浪漫的往昔歲月——也可能是陰魂不散的過去。即便是表現人類形象時,Andersson 的構圖裏依然有着幽靈般的空洞(比如她的無頭紳士系列)。


1. Mamma Andersson,《藪貓》(Serval),2017。圖片致謝 Edition Copenhagen 畫廊 2. Mamma Andersson,《防護手套》(Gauntlets),2015。圖片致謝2018年 ArtCrush 慈善拍賣 3. Mamma Andersson,《睡》(Sömn),2015。圖片致謝2018年 ArtCrush 慈善拍賣 4. Mamma Andersson,《妹妹》(Den lilla systern),2016。圖片致謝 Magnus Karlsson 畫廊


Andersson 在版畫創作中沿襲着蒙克的藝術實踐:她跟自己的北歐先輩採用相近的配色,並營造出似曾相識的疏離感。“我的風格追溯着非常典型的北歐繪畫傳統,包含自然景貌、室內環境、人物關係和戲劇效果。劇院和電影是我的重要靈感源。”Andersson 如是説。



Katrin Sigurdardóttir(b. 1962,冰島)


2013年,Katrin Sigurdardóttir 代表冰島參加了威尼斯藝術雙年展,呈現建築裝置作品《基礎》(Foundation,2013)。作品是一座由木架支撐的平台,安放在一個空置的陳舊洗衣店裏,時而還“穿透”牆壁,延展到了户外。平台上鋪設着觀賞性瓷磚,皆由藝術家及其團隊手工打造,參觀期間,觀眾可以在上面隨意走動。


《基礎》是一件介於構築物、設計和建築之間的作品,寓意着藝術家對藝術世界範式的迴避。作品的外緣參差不齊,看起來像一片放錯了地方的古蹟遺址。這便是 Sigurdardóttir 創作的鮮明特色,她的雕塑讓觀眾聯想起熟悉的結構——一個家或一間卧室——與此同時,它們神祕奇特、比例失調,給人以詭祕的愉悦感。



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